Instituto de Arte de San Francisco

Instituto de Arte de San Francisco

El Instituto de Arte de San Francisco es una de las escuelas de educación superior en arte contemporáneo más antiguas del país. El instituto existió por primera vez en 1871 como la Asociación de Arte de San Francisco, que estableció la Escuela de Diseño de California en 1873. Aunque el Gran Terremoto destruyó la mansión y la escuela en 1906, un nuevo edificio fue erigido en el sitio un año después, y la escuela pasó a llamarse Instituto de Arte de San Francisco. En 1916 el instituto pasó a llamarse Escuela de Bellas Artes de California. En 1926, la escuela se mudó a su ubicación actual en 800 Chestnut Street, en un nuevo edificio diseñado por Bakewell y Brown, arquitectos del Ayuntamiento, Coit Tower y otros lugares emblemáticos de San Francisco. En 1961, la escuela pasó a llamarse San Francisco Art Institute . En 1969, un nuevo edificio diseñado por Paffard Keatinge Clay agregó espacio de estudio, un gran teatro / sala de conferencias, un anfiteatro al aire libre y un café a la villa de estilo español y los claustros construidos en la década de 1920. centros para reconocer el papel cada vez mayor de múltiples disciplinas y tecnologías en el trabajo de los artistas: práctica contemporánea, cultura mediática, práctica pública; Palabra, texto e imagen; y Arte y Ciencia. La escuela está ampliando sus programas de humanidades y espera ofrecer títulos más allá de la licenciatura y la maestría en bellas artes. En 2004, Chris Bratton se unió al Art Institute como su presidente. Bratton había sido decano de estudios universitarios en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. A los 130 años, el Instituto de Arte de San Francisco es una de las facultades de arte más prestigiosas de los Estados Unidos. Entre sus alumnos y profesores se encuentran muchos de los principales artistas del país. Comprometido con la educación en bellas artes, el instituto ofrece programas de licenciatura y posgrado acreditados por la Asociación Occidental de Escuelas y Universidades y por la Asociación Nacional de Escuelas de Arte y Diseño. conferencias de artistas y críticos visitantes, proyecciones periódicas de películas, lecturas de poesía, conciertos, actuaciones y otros eventos especiales. El Instituto de Arte de San Francisco está ubicado en la ladera hacia la bahía de Russian Hill de San Francisco, a poca distancia a pie de la histórica North Beach y Chinatown . El extenso transporte público conecta el instituto con el resto de la ciudad y las comunidades cercanas. La región de la Bahía de San Francisco es la sexta área metropolitana más grande del país y alberga una escena artística emocionante.


Instituto de Arte de San Francisco - Historia

El Instituto de Arte de San Francisco se remonta a 1873 cuando la Asociación de Arte de San Francisco fundó la Escuela de Diseño de California, renombrada como Escuela de Bellas Artes de California en 1916 y el Instituto de Arte de San Francisco en 1961. Antes de construir este campus en Russian Hill en 1926 , la escuela había ocupado varios sitios en Nob Hill.

Entre los artistas asociados a la escuela se encuentran Eadweard Muybridge, Maynard Dixon, Louise Dahl-Wolf, John Gutzon Borglum, Clyfford Still, Ad Reinhardt, Mark Rothko, Imogen Cunningham, Edward Weston, Dorothea Lange, Richard Diebenkorn, Annie Liebovitz y especialmente Diego Rivera quien llegó a San Francisco en 1930 para pintar un fresco para el nuevo campus y Ansel Adams y Minor White quienes, en 1946, establecieron el primer departamento de fotografía artística en los Estados Unidos.

Los edificios originales del Renacimiento colonial español fueron diseñados por el estudio de arquitectura Bakewell & Brown y están influenciados por el trabajo de Bernard Maybeck.

La adición de 1963 fue diseñada por Paffard Keatinge Clay, quien había trabajado con Le Corbusier, Frank Lloyd Wright y Skidmore Owings y Merrill. El techo escalonado de la sala de conferencias ofrece un anfiteatro al aire libre y vistas impresionantes de la ciudad y la bahía.

El Instituto de Arte de San Francisco fue incluido en el Registro Nacional de Lugares Históricos en 2015.


Contenido

El sistema Art Institutes se creó en 1969 cuando Education Management Corporation (EDMC) adquirió el Art Institute of Pittsburgh, [9] [10] [11] que fue fundado en 1921. [12]

A partir de 2000, The Art Institutes comenzó a ofrecer títulos de licenciatura [13] y, en 2001, lanzó su programa de educación a distancia, Art Institute Online, que comenzó a ofrecer programas de licenciatura y no licenciatura en línea. [11] [14] Los Institutos de Arte se expandieron mediante la adquisición de las facultades de arte existentes y el establecimiento de nuevos Institutos de Arte. [15] En 2001, había alrededor de 20 campus de The Art Institutes [11], esto creció a aproximadamente 30 ubicaciones en 2006 [16] antes de llegar a 50 Art Institutes en 2010. [17]

En 2012, las escuelas de The Art Institute comenzaron a experimentar una disminución en la cantidad de nuevos estudiantes que se inscribieron, viendo que la cantidad de inscripciones disminuyó en aproximadamente un 20 por ciento entre el segundo trimestre del año fiscal 2012 y el comienzo de 2013. EDMC ha atribuido la caída en la inscripción al acceso limitado a préstamos para padres para estudiantes de pregrado y la recesión económica. [9] En febrero de 2013, EDMC anunció planes para congelar las matrículas durante tres años en The Art Institutes. Según este plan, la empresa se comprometió a mantener el costo actual de la matrícula hasta 2015. [18]

En junio de 2013, EDMC anunció que su presidente, John Mazzoni, dimitiría a partir del 14 de julio de 2013, después de 27 años en la organización. Charles Restivo, vicepresidente del grupo, se convertiría en presidente interino de The Art Institutes. [19] En 2014, el Departamento de Educación de EE. UU. Informó que diez campus de EDMC, incluidos varios Institutos de Arte, fueron sometidos a una mayor supervisión de efectivo. El Art Institute of Pittsburgh fue una de las escuelas enumeradas. [20]

En mayo de 2015, EDMC anunció que cerraría 15 de las ubicaciones del Art Institute. "Un total de 5.432 estudiantes están inscritos entre los campus que están programados para cerrar, según una lista proporcionada por EDMC. La compañía se someterá a un proceso de enseñanza en cada ubicación, lo que significa que cada campus continuará ofreciendo cursos, servicios para estudiantes y colocación. asistencia hasta que el último estudiante se haya graduado, según Hardman ". [21] Los campus que estaban programados para cerrar incluían los de Atlanta, Nueva York, Ohio, Texas y Pensilvania. En enero de 2016, EDMC anunció que los institutos de arte adicionales dejarían de inscribirse. Estos campus son el Instituto de Arte de California - Los Ángeles, el Instituto de Arte de St. Louis y el Instituto de Arte de Tucson. [22] Al menos 200 empleados adicionales fueron despedidos en mayo de 2016. [23] En junio de 2016, EDMC anunció que Art Institutes International Minnesota dejaría de inscribirse. Eso significó el cierre de un total de 19 campus del Art Institute.

En junio de 2016, Tim Moscato, director de operaciones de los Institutos de Arte, renunció en medio de una mayor reducción de personal. [24] El mismo mes, el Departamento de Educación de EE. UU. Votó para poner fin al poder de acreditación de ACICS. [25] ACICS fue despojado de su poder de acreditación en septiembre. [26] Al 1 de junio de 2016, doce campus del Art Institute estaban bajo mayor control de efectivo (o HCM1) por el Departamento de Educación de EE. UU. porque las universidades deben tener una cierta cantidad de dinero para cumplir con las obligaciones en caso de que la escuela cierre prematuramente. Los campus afectados fueron Pittsburgh, Portland, Filadelfia, Atlanta, Fort Lauderdale, Minnesota, Colorado, Houston, Seattle, Nueva York, York y Phoenix. [27] En diciembre de 2016, nueve institutos de arte adicionales (el Instituto de Arte de Atlanta, el Instituto de Arte de Houston, la Universidad Internacional de Arte y Diseño de Miami) y sus campus filiales en Charleston, Nashville, Arlington, Virginia Beach, Austin y San Antonio fueron puestos en libertad condicional por su acreditador, la Asociación de Colegios y Escuelas del Sur (SACS). [28]

En enero de 2018, las ubicaciones de los Institutos de Arte en Novi y Denver, así como las ubicaciones del Instituto de Arte de Illinois en Chicago y Schaumburg, perdieron su acreditación con la Comisión de Educación Superior. No informaron a los estudiantes sobre la pérdida de la acreditación hasta junio, a pesar de que se les pidió que lo revelaran en el momento de la pérdida. [29] En 2018, Dream Center Education Holdings informó que se cerrarían más campus de IA. [30] En diciembre de 2018, se cerraron 23 institutos de arte.

En enero de 2019, el Washington Student Achievement Council suspendió la licencia de operación de AI-Seattle, lo que bloquea la inscripción de nuevos estudiantes. El consejo restablecerá la licencia cuando Dream Center Education Holdings demuestre que ha "recuperado la solvencia financiera o completado una reorganización viable". [31] AI Las Vegas también recibió un aviso de causa de exhibición de ACICS solicitando que la escuela proporcione información que demuestre por qué no debería perder su acreditación. [32]

En 2019, los informes del supervisor de DCEH, Marc Dottore, indicaron que faltan entre 9 y 13 millones de dólares de fondos federales, destinados a los estipendios de los estudiantes. [33] [34] Según elPittsburgh Post-Gazette, el monitor está "casi sin efectivo para administrar las entidades que tiene la tarea de supervisar". [35] Dottore ha escrito al Departamento de Educación que Studio Enterprise, una empresa designada para dar servicio a las escuelas DCEH anteriores y actuales, está cobrando tarifas de servicio del trato sin proporcionar ningún servicio, drenando el efectivo que tanto se necesita de la operación. [36] La información sobre la Education Principle Foundation es limitada, pero parece que antes se conocía como la Fundación Colbeck. [37] Según el Informe de la República, la Fundación Colbeck tiene vínculos con Studio Enterprise. [38]

En febrero de 2019, un administrador judicial designado por un tribunal federal detuvo los planes de Dream Center Education Holdings de cerrar el Art Institute of Pittsburgh el 31 de marzo de 2019. [39]

En marzo de 2019, a los maestros y otro personal no se les había pagado sus cheques de pago finales. [40] Hasta 13 campus del Art Institute pueden permanecer abiertos a partir de 2019, [41] [42] y las escuelas restantes enfrentan dificultades financieras. [43]

Los Institutos de Arte ofrecen programas de grado en los niveles de asociado, licenciatura y maestría, así como programas de diploma que no son de grado. Las áreas de estudio incluyen diseño gráfico, artes de medios y animación, artes culinarias, fotografía, cine digital y producción de video, diseño de interiores, producción de audio, diseño de moda, arte y diseño de juegos, repostería y pastelería, y marketing de moda. [44]

Los Institutos de Arte de Fort Lauderdale, Indianápolis, Kansas City, Las Vegas, Minnesota, Nueva York, Phoenix, Saint Louis, Salt Lake City, Tucson, Vancouver, Wisconsin y York fueron acreditados por ACICS, [45] que ha perdido su poder de acreditación del Departamento de Educación de EE. UU. [26]

Nueve institutos de arte adicionales (The Art Institute of Atlanta, The Art Institute of Houston, Miami International University of Art and Design) y sus sucursales en Charleston, Nashville, Arlington, Virginia Beach, Austin y San Antonio fueron puestos en libertad condicional por su acreditador. , Asociación de Colegios y Escuelas del Sur (SACS), en diciembre de 2016. [28]

En agosto de 2018, el Pittsburgh Tribune-Review informó que el Art Institute of Pittsburgh podría perder su acreditación en 2019. [46]

Los despidos continuos y la reducción de personal en los campus restantes se produjeron a finales de 2018 [47] y 2019. [48]

Las enseñanzas son un período de tiempo en el que se detiene la inscripción de nuevos estudiantes y los estudiantes restantes tienen un período de tiempo para terminar sus programas. [49] En mayo de 2015, el portavoz de EDMC, Chris Hardman, declaró que las enseñanzas tomarían de dos a tres años. [50]

El Instituto de Arte de Las Vegas está acreditado por ACICS, sin embargo, la Licenciatura en Diseño de Interiores, Artes de Medios y Animación, Licenciatura en Ciencias, Panadería y Pastelería, Diploma de Artes Culinarias se colocó en el programa de rendimiento estudiantil debido a material no -cumplimiento de su tasa de retención estándar del 60%.

Art Institute of Pittsburgh fue puesto en libertad condicional por la Comisión de Educación Superior de Middle States debido a evidencia insuficiente de que la institución cumple actualmente con el Estándar II (Integridad), el Requisito de Afiliación 14 y la Política de Entidades Relacionadas. La escuela pasará por un período de prueba hasta que la acreditación se reafirme o se pierda. La escuela tenía hasta marzo de 2019 para enviar información que demuestre por qué la agencia no debería eliminar la acreditación de la escuela. [51]

El acreditador regional, la Comisión de Estudios Superiores, votó si realizar o no una votación para imponer su política de Cambio de Control después de la venta de EDMC a DCEH a los siguientes campus: Chicago, Schaumburg, Colorado y Michigan. Pasarlos del estado acreditado al estado de candidatura por un mínimo de seis meses. Cualquier crédito obtenido después de febrero de 2018 no está acreditado institucionalmente.

La antigua empresa matriz de Art Institutes, Education Management Corporation (EDMC), tenía su sede en Pittsburgh, Pensilvania. [52] En noviembre de 2014, EDMC se eliminó de la lista del NASDAQ en medio de dificultades financieras, juicios e investigaciones [53] y sus acciones estaban valoradas en menos de un centavo por acción.

La oferta pública inicial (OPI) de EDMC se realizó en 2009. Todd S. Nelson, que anteriormente fue director ejecutivo de Apollo Education Group, se convirtió en miembro de la junta de EDMC en 2007 y presidente de la junta directiva en 2012. [54]

Politico agregó que una empresa india podría estar comprando el Instituto de Arte de la ciudad de Nueva York y NEIA. [55]

En 2017, Education Management Corporation informó que había vendido los Institutos de Arte existentes a The Dream Center Foundation, una organización pentecostal con sede en Los Ángeles. [56] [57] La ​​venta se completó en octubre de 2017. [58] En julio de 2017, una agencia de acreditación, Middle States Association, rechazó la venta de los Institutos de Arte de Pittsburgh y Filadelfia a la Fundación Dream Center. [59]

En enero de 2019, el presidente de DCEH, Randall Barton, declaró que los Institutos de Arte, excluyendo el Instituto de Arte de Pittsburgh, el Instituto de Arte de Las Vegas y los campus de la Universidad de Argosy, se han transferido a la Fundación del Principio de Educación. [60] [31] [61] También en enero de 2019, Dream Center Education Holdings anunció que las escuelas de IA, excluyendo los campus de AI Pittsburgh, AI Las Vegas y Argosy, se habían transferido a la Education Principle Foundation con la ayuda del Departamento de Educación. [60] Inside Higher Ed describió a Education Principle Foundation como "una organización sin fines de lucro de Delaware sin presupuesto anual y casi sin presencia en Internet", y la vinculó con la firma de capital privado Colbeck Capital Management. [62] Studio Enterprise, una empresa de Los Ángeles vinculada a Colbeck Capital Management, también participó en la transferencia de propiedad. [63]

Los estudiantes del Art Institute de escuelas cerradas han sido dirigidos a las instituciones asociadas de DCEH, incluidas otras universidades con fines de lucro: DeVry University, Walden University y Trident University. [64]

Según el Informe de la República, el administrador judicial designado, Studio Enterprise y la Universidad del Sur tenían hasta el 11 de abril de 2019 para negociar la separación de las escuelas de la Universidad del Sur y las escuelas restantes del Instituto de Arte de la Plataforma de TI de Dream Center Education antes del 11 de septiembre de 2019 ". Si no llegan a un acuerdo, el plan de reorganización probablemente fracasará, condenaría así a la Universidad del Sur ya los Institutos de Arte ". [sesenta y cinco]

Escuelas de Education Principle Foundation y sus acreditadores Editar

    (Comisión de Universidades de la Asociación del Sur de Colegios y Escuelas)
  • The Art Institute of Atlanta (Comisión de Universidades de la Asociación del Sur de Colegios y Escuelas)
  • The Art Institute of Austin (Comisión de Universidades de la Asociación del Sur de Colegios y Escuelas)
  • The Art Institute of Dallas (Comisión de Universidades de la Asociación de Universidades y Escuelas del Sur) (Comisión de Universidades de la Asociación de Universidades y Escuelas del Sur)
  • The Art Institute of San Antonio (Comisión de Universidades de la Asociación de Universidades y Escuelas del Sur) (Comisión de Universidades de la Asociación de Universidades y Escuelas del Sur)
  • The Art Institute of Virginia Beach (Comisión de Universidades de la Asociación del Sur de Colegios y Escuelas)

Escuelas DCEH y sus acreditadores Editar

  • The Art Institute of California - Hollywood (cerrado el 9 de marzo de 2019) (Asociación Occidental de Escuelas y Universidades) (ACICS, mostrar causa) (vendido y mantenido abierto [66])

Campus cerrados o vendidos Editar

  • El Instituto de Arte de Atlanta - Decatur
  • El Instituto de Arte de California - Inland Empire
  • The Art Institute of California - Los Ángeles
  • Instituto de Arte de California - Condado de Orange (Asociación Occidental de Escuelas y Universidades) [67]
  • Instituto de Arte de California - San Francisco [68]
  • El Instituto de Arte de California - Silicon Valley
  • El Instituto de Arte de Charleston [69]
  • El Instituto de Arte de Indianápolis
  • The Art Institutes International Minnesota
  • El Instituto de Arte de Michigan
  • El Instituto de Arte de Filadelfia [70]
  • El Instituto de Arte de Phoenix [71] [71]
  • El Instituto de Arte de Portland
  • El Instituto de Arte de Raleigh – Durham
  • El Instituto de Arte de St. Louis
  • El Instituto de Arte de Seattle
  • El Instituto de Arte de Salt Lake City
  • El Instituto de Arte de Tennessee - Nashville
  • El Instituto de Arte de Toronto
  • El Instituto de Arte de Tucson
  • Los Institutos de Arte de Wisconsin
  • El Instituto de Arte de Fort Worth
  • El Instituto de Arte de Houston — Norte
  • The Art Institutes International - Kansas City
  • El Instituto de Arte de Michigan - Troy
  • El Instituto de Arte de Ohio - Cincinnati
  • El Instituto de Arte de Washington- Dulles
  • Instituto de Arte de Illinois - Tinley Park

Entre 2000 y 2018, la empresa matriz de Art Institutes, EDMC, estuvo sujeta a numerosas demandas de exalumnos, ex profesores y agencias gubernamentales. Miles de exalumnos de los Institutos de Arte afirman haber sido engañados y engañados por las escuelas y sus reclutadores y han presentado reclamaciones ante el Departamento de Educación de EE. UU. [72] [73] [74] Los estudiantes del Instituto de Arte pueden presentar una defensa para reclamos de reembolso ante el Departamento de Educación de los Estados Unidos. [49]

En octubre de 2000, EDMC anunció el acuerdo de una demanda presentada por un grupo de aproximadamente 350 exalumnos del Instituto de Arte de Houston. [75]

De 2011 a 2015, EDMC estuvo involucrada en una investigación y demanda del Departamento de Justicia de los Estados Unidos que alegaba prácticas de reclutamiento ilegales por parte de las escuelas de EDMC, incluidos los Institutos de Arte, y la recepción fraudulenta de $ 11 mil millones en dinero de ayuda financiera federal y estatal. [76] [77] [78] [79] Un informe del Departamento de Justicia de EE. UU. De 2011 afirmó que EDMC "creó una cultura de ventas de estilo 'sala de calderas' y ha hecho de la contratación y la inscripción de nuevos estudiantes el único enfoque de su sistema de compensación". [80]

En mayo de 2013, un juez federal de Pensilvania rechazó una oferta para desestimar una demanda contra EDMC presentada por un ex empleado de EDMC. La demanda alega que la corporación y sus afiliadas participaron en un plan para maximizar las ganancias de los programas de ayuda financiera administrados por el Departamento de Educación de EE. UU. El demandante en el caso, Jason Sobek, quien trabajó como director de admisiones para EDMC en Pittsburgh desde junio de 2008 hasta noviembre de 2010, alega que la empresa falsificó información proporcionada al Departamento de Educación que indicaba que cumplían con la elegibilidad de los programas de préstamos. requisitos. En un testimonio que sirvió de base para la decisión del tribunal inferior en octubre pasado, Sobek alegó que EDMC operaba un "plan educativo con fines de lucro cuidadosamente elaborado y generalizado [en el que] los acusados ​​han defraudado a los Estados Unidos y sus contribuyentes con millones de dólares en forma de préstamos y subvenciones para estudiantes respaldados por el gobierno federal ". [81]

En noviembre de 2015, EDMC acordó pagar $ 95.5 millones para resolver reclamos de reclutamiento ilegal y fraude al consumidor. [73]

En abril de 2016, dos ex maestros de AI presentaron una demanda en el Tribunal Superior de la ciudad de Alameda alegando que EDMC no les pagaba un salario mínimo ni les proporcionaba períodos de descanso adecuados para "reducir la compensación y aumentar sus propias ganancias". [82] El 8 de septiembre de 2016, los estudiantes de los Institutos de Arte conocidos como "I Am Ai" presentaron un aviso al Director del Instituto de Arte de Nueva Inglaterra (NEIA) sobre una demanda que llegaría en 30 días. [83] La demanda está siendo redactada por el Centro de Servicios Legales de la Facultad de Derecho de Harvard. [84] El 24 de septiembre de 2016, el Fiscal General de Massachusetts expresó su preocupación de que las tareas de enseñanza en NEIA estuvieran siendo asumidas por una empresa india sin licencia y sin experiencia en la enseñanza de estudiantes de arte estadounidenses. La Oficina del Fiscal General declaró que si no se podía garantizar una educación adecuada para los estudiantes de NEIA, NEIA debería cerrar a finales de 2016. [85] En diciembre de 2016, nueve institutos de arte adicionales fueron puestos en libertad condicional por su acreditador, la Asociación del Sur. de Colegios y Escuelas (SACS). [28]

El 6 de julio de 2017, dos exalumnos del Instituto de Arte presentaron una demanda contra la Secretaria de Educación Betsy DeVos por retrasar ilegalmente las reglas destinadas a proteger los derechos de los prestatarios. Estuvieron representados por el Proyecto de Préstamos Estudiantiles Predatorios y Ciudadano Público en dos juicios. [86] Esta demanda ayudó a despejar el camino para que la Regla de Defensa del Prestatario de 2016 entre en vigor. [87]

En 2018, Dream Center Education Holdings tomó el control de las 31 escuelas restantes de Art Institutes. En diciembre de 2018, los estudiantes del Instituto de Arte presentaron una demanda en el Tribunal de Circuito del condado de Cook, alegando que Dream Center Educational Holdings no notificó a los estudiantes que había perdido la acreditación institucional en cuatro campus de IA de Illinois. [88]

Según el College Scorecard, el Instituto de Arte de Atlanta tiene una tasa de graduación del 19 por ciento, una deuda típica de $ 30,982, una tasa de reembolso de préstamos estudiantiles del 28 por ciento y un salario medio después de asistir de $ 30,900. [89]

En 2011, Frontline lanzó un documental titulado Educando al sargento Pantzke. En el documental, el veterano de la guerra de Irak Chris Pantzke habló sobre la falta de servicios para discapacitados en la escuela. Según Pantzke, "Al ser un soldado, no quieres renunciar, no quieres rendirte o fallar". Después de hacer su propia investigación, Pantzke concluyó que el título que estaba obteniendo no "valía mucho más de lo que vale el papel", y sintió que estaba "desperdiciando el dinero de los contribuyentes" al usar los fondos de GI Bill. [90]

En 2014, una investigación de la oficina del Fiscal de la Ciudad de San Francisco condujo a un acuerdo de $ 4.4 millones. La ciudad afirmó que AI utilizó tácticas de marketing engañosas que resultaron en costos del programa subestimados para los estudiantes y cifras infladas de colocación laboral para los graduados. [91]

Los deudores de préstamos estudiantiles han apelado al Departamento de Educación de EE. UU. Para la cancelación de la deuda a través de la defensa de los reclamos de reembolso. Estos esfuerzos se basan en las acusaciones de que fueron defraudados. [92] Los estudiantes que asistieron a la escuela durante el tiempo que cerró también pueden ser elegibles para la cancelación de préstamos estudiantiles. [93] [94] El grupo de deuda estudiantil "I Am Ai" ha actuado como un grupo de apoyo para estudiantes y ex de los Institutos de Arte, ofreciendo consejos sobre la cancelación de la deuda. [3] aunque no está claro exactamente qué deudas se cancelaron, un informe de $ 11 millones en deuda estudiantil se canceló posteriormente cuando DeVos y Trump finalmente cedieron bajo la presión de I am AI en noviembre de 2019.


Investigando la historia de Greenwich Village

Hola, mi nombre es Emily Kramer. Soy un estudiante de primer año de maestría y # 8217 del Programa de Archivos e Historia Pública de la Universidad de Nueva York. Recientemente me gradué del Instituto de Arte de San Francisco con un título en Historia y Teoría del Arte Contemporáneo. Me interesa conocer las formas en que interactúan la tecnología, la investigación histórica y la creación de registros. En relación con mis estudios de pregrado, estoy particularmente enfocado en la historia digital en relación con la cultura popular, las redes sociales y las artes contemporáneas.

Actualmente estoy involucrado en un proyecto que involucra los archivos de un simposio de 1949 titulado, La mesa redonda occidental sobre arte moderno. El material traza una discusión de tres días sobre la producción, exhibición y comprensión del arte durante la época. Luminarias como Marcel Duchamp, Frank Lloyd Wright y Kenneth Burke se encuentran entre los miembros del panel, lo que contribuye a su importancia histórica. El material está siendo recopilado, editado y contextualizado y se encuentra en las etapas finales de prepublicación.

Soy relativamente nuevo en el campo de los archivos y la historia pública y estoy deseando aprender más sobre cómo funcionan en el ámbito digital. Espero encontrar algunos cruces interesantes entre la teoría del arte contemporáneo y la creación de historia digital.


Personal

Kathan Brown

Kathan Brown

Director fundador

Kathan Brown nació en la ciudad de Nueva York, creció en Florida y obtuvo una licenciatura. (con una especialización en inglés) de Antioch College en Ohio, asistió a la London Central School of Arts and Crafts (dos años) y luego recibió un M.F.A. y un doctorado honorario del California College of the Arts. También tiene un doctorado honorario del San Francisco Art Institute.

Kathan Brown, con su entonces esposo Jeryl Parker, fundaron Crown Point Press en 1962 en Richmond, California. En 1964, la pareja se separó y Kathan trasladó a la prensa al sótano de su casa en Berkeley. En 1964 publicó un libro hecho a mano con sus propios grabados, y en 1965 lo siguió con tres libros más de grabados de artistas a los que invitó a trabajar con ella: Richard Diebenkorn, Beth Van Hoesen y Wayne Thiebaud. También realizó talleres de grabado abiertos a todos y trabajó como mecanógrafa cuando los fondos eran bajos. Entre 1966 y 1974 enseñó grabado en el San Francisco Art Institute, y finalmente se convirtió en jefa del departamento de grabado.

En 1971, el editor de impresión de Nueva York Bob Feldman de Parasol Press envió al artista Sol LeWitt a Crown Point para un proyecto, y Crown Point se mudó más tarde ese año a un espacio tipo loft en Oakland. En la década de 1970, además de seguir produciendo grabados para Parasol, Crown Point Press publicó tres libros de grabados del propio Kathan y cuatro de artistas de San Francisco: Bruce Conner (dos volúmenes), James Melchert y Tom Marioni.

Kathan Brown y Tom Marioni se conocieron en 1974 y se casaron en 1983. Entre 1975 y 1981 crearon cinco números de VISION, una revista de arte poco convencional publicada por Crown Point Press y editada por Marioni. El problema menos convencional de VISION es el número 4, 1980, Boca a boca, un conjunto de discos fonográficos de breves charlas presentadas por artistas que viajaron bajo los auspicios de Crown Point & # 8217 a una isla en el Océano Pacífico para una conferencia.

El amor de Kathan por los viajes también influyó en dos programas que la prensa instigó en la década de 1980 en los que los artistas de Crown Point viajaron primero a Japón y luego a China para trabajar con artesanos tradicionales del grabado en madera de esos países. Aparte de esos proyectos, la prensa siempre ha trabajado exclusivamente con el lento y anticuado proceso del grabado.

La escritura de Kathan Brown & # 8217 incluye varios de sus propios libros y también materiales web y boletines para la prensa. Ella ha editado el Secretos mágicos serie de libros instructivos publicados por Crown Point, y ha creado elementos de video para esos libros y para los sitios web de Crown Point. Ha estado grabando videos en el estudio Crown Point desde finales de la década de 1970.

En 1977, el año en que comienza la lista de precios de Crown Point, Kathan reinició el programa de publicación impresa de Crown Point después de haber trabajado principalmente para Parasol Press durante seis años. Como en los primeros días de la prensa, empezó con Richard Diebenkorn. En enero de 1978, John Cage realizó sus primeros grabados en Crown Point Press. Esos dos artistas muy diferentes e inventivos regresaban casi todos los años a trabajar en Crown Point. Marcaron la pauta para sus publicaciones de aguafuerte durante los años siguientes.

En 1986 Kathan trasladó Crown Point Press de Oakland a San Francisco y renovó un espacio de loft industrial, pero en quince segundos el 17 de octubre de 1989, el terremoto de Loma Prieta devastó esos barrios. Un año después, la prensa compró el edificio que ahora ocupa en el distrito South of Market de San Francisco. Crown Point Press tiene su galería, librería y taller en el piso superior, con la entrada en 20 Hawthorne Street, a la vuelta de la esquina del Museo de Arte Moderno de San Francisco. (Haga clic aquí para obtener una versión más detallada de la biografía de Kathan Brown).

Valerie Wade

Valerie Wade

Director

Valerie Wade es directora de Crown Point Press y es socia de Kathan Brown en el negocio. Nació en Springfield, Virginia, y recibió un BFA en historia del arte y grabado en la Virginia Commonwealth University en Richmond, Virginia, luego estudió administración de arte en la American University en Washington DC De 1984 a 1987 estuvo en Szoke Koo Associates, un estado de Nueva York firma de consultoría de arte donde vendió muchas impresiones de Crown Point Press a empresas, arquitectos, diseñadores y clientes privados.

En 1988, Valerie se mudó a San Francisco y comenzó a trabajar en Crown Point Press como representante de ventas. En 1993 se convirtió en directora de galería y en 2006 asumió su puesto actual como directora. Supervisa las operaciones, especialmente la actividad de ventas, las exposiciones en galerías y la participación en ferias de arte, y también gestiona algunos de los proyectos de artistas de la prensa, incluidos los de Ed Ruscha, Tomma Abts, Mary Heilmann y Amy Sillman.

En la comunidad artística de San Francisco, Valerie está en la junta asesora del espacio sin fines de lucro Southern Exposure y ha participado en el liderazgo de la Asociación de Dealers de Arte de San Francisco y ArtTable. Para el Museo de Arte Moderno de San Francisco, ha sido panelista de eventos públicos en & # 8220 How to Start an Art Collection, & # 8221 y para Southern Exposure en & # 8220Art Publishing Now & # 8221. Pacific Art League y el Berkeley Art Center. Valerie también ha formado parte de los comités de selección de la Exposición Internacional de Arte de Chicago y la Exposición Internacional de Arte de San Francisco. En 2017 participó en un seminario exploratorio de fin de semana, The Material Echo: Grabado ampliado en el Instituto Radcliffe de Estudios Avanzados de la Universidad de Harvard. Valerie es actualmente miembro de la Junta Directiva de la Asociación Internacional de Distribuidores de Letras Finas, Nueva York.

En su vida privada, disfruta de las caminatas, el yoga y la jardinería en la terraza de su casa en el centro de San Francisco.

Stacie Scammell

Stacie Scammell

Gerente de negocios

Stacie Scammell llegó a Crown Point Press en 1989 como asistente del director financiero. Su primer día de trabajo fue el lunes posterior al terremoto de Loma Prieta. Inmediatamente después del terremoto, llamó para confirmar que todavía tenía trabajo y le dijeron & # 8220 ¡Sí! Use jeans y tenis porque nos estamos mudando. & # 8221 Con las réplicas aún ocurriendo, se unió al resto del personal para sacar rápidamente muebles, impresiones y suministros del edificio dañado que luego fue ocupado por la prensa. Ahora ella es gerente comercial. Ella maneja asuntos comerciales y también administra recursos humanos, mantenimiento de edificios y operaciones de oficina diarias.

Stacie nació y se crió en el Área de la Bahía y obtuvo su licenciatura en Lewis and Clark College en Portland, Oregon. Le encanta el diseño de interiores y dedica su tiempo libre a hacer del mundo un lugar más hermoso, una habitación a la vez.

Sasha Baguskas

Sasha Baguskas

Editor / Coordinador de publicaciones

Sasha Baguskas ha estado en Crown Point Press desde 1995. Como coordinadora de publicaciones, gestiona el diseño, el diseño y la producción de la publicidad de Crown Point, su boletín (Visión general), catálogos y libros publicados por la prensa. Estos incluyen los cuatro libros instructivos en el Secretos mágicos serie utilizada en talleres y universidades de todo el país. En tres de los cuatro libros de la serie, fue la fotógrafa de las secciones & # 8220 paso a paso & # 8221. También supervisa la librería Crown Point y administra los sitios web Crown Point Press y Magical-Secrets.

En 2021, Sasha asumió las responsabilidades de registrador, que incluyen la gestión del inventario de impresión y el envío de impresiones.

Sasha nació en Filadelfia y se crió en Nueva York. Se mudó a San Francisco en 1993 después de recibir un B.A. de Sarah Lawrence College. En su tiempo libre crea diseños textiles a partir de sus acuarelas, y es horticultor en casa, con una afinidad particular por las begonias, filodendro y euphorbia amak.

Emily York

Emily York

Impresora principal senior

Emily York obtuvo una licenciatura en arte con énfasis en grabado de la Universidad de California en Santa Cruz en 1999. Mientras estaba en una excursión escolar, visitó la retrospectiva de 35 años de Crown Point & # 8217 en el Museo Legion of Honor en San Francisco, y instantáneamente supo que quería ser impresora. En 2000, Emily comenzó a capacitarse como impresora en lo que ahora es Paulson Fontaine Press, una prensa de grabado de bellas artes en Berkeley fundada por Pam Paulson, una impresora maestra de Crown Point. En 2004 comenzó a trabajar en Crown Point Press y recibió el título de impresora maestra en 2005. Es autora de Secretos mágicos sobre la aguatinta, uno de los cuatro volúmenes de la popular serie instructiva de Crown Point & # 8217.

Emily creció en St. Helena, en California & # 8217s Napa Valley. Vive en Oakland con su hija. En su tiempo libre le gusta cocinar y proyectos de manualidades, hacer pinturas en miniatura y crear marionetas de sombras y esculturas de dragones y dinosaurios con su hija.

Courtney Sennish

Courtney Sennish

Impresora maestra

Courtney Sennish es originaria de Ohio. Hizo una pasantía en Crown Point Press mientras estudiaba grabado en la Escuela de Diseño de Rhode Island con el maestro impresor de Crown Point, Brian Shure. En 2013, después de recibir su BFA, se mudó a San Francisco para trabajar hacia un MFA en el California College of the Arts y para desarrollar aún más su propio arte. En este período, también trabajó a tiempo parcial como impresora en Mullowney Printing con el impresor principal de Crown Point, Paul Mullowney. Al completar su título avanzado en 2015, comenzó a trabajar como impresora en Crown Point Press. Continúa creando pinturas y esculturas en su propio estudio.

Courtney se convirtió en una Impresora Maestra de Crown Point en 2018. Vive en Oakland, donde juega voleibol de playa los domingos y le gusta andar en bicicleta por el Golden Gate Park.

Robin Milliken

Robin Milliken

Robin Milliken es de Portland, Oregon, y obtuvo su BFA en grabado en el Pacific Northwest College of Art en 2011.Allí, Robin descubrió su pasión por la calcografía mientras tomaba un curso de fotograbado impartido por el maestro impresor de Crown Point, Paul Mullowney. Al finalizar su carrera, se mudó a San Francisco, donde trabajó a tiempo parcial como imprenta en Mullowney Printing y también hizo una pasantía en Crown Point Press. Se convirtió en impresora en Crown Point Press en 2021.

Robin vive en Oakland. En su tiempo libre, mantiene su propia práctica artística y disfruta de la jardinería, la costura y el voluntariado en Max & # 8217s Garage Press en Berkeley.


Murales de la década de 1930 encontrados bajo pasillos pintados en SF Art Institute

Las sencillas paredes blancas del pasillo del venerable Instituto de Arte de San Francisco guardaron con fuerza su secreto durante más de ocho décadas, enterradas bajo una docena de capas de pintura. Pero un nuevo esfuerzo por retroceder décadas y quitar la pintura ha dejado al descubierto uno de esos secretos: un fresco de 1930 completamente intacto pintado por Frederick Olmsted.

El fresco es uno de la media docena de murales pintados en las paredes inferiores de la institución de 140 años, y luego pintado, probablemente para dar paso a una próxima generación de arte estudiantil.

El fresco de Olmsted, un método antiguo de pintar acuarela sobre yeso húmedo, representa a un grupo de trabajadores trabajando duro en una fábrica de mármol. La torre del campus de Russian Hill de la escuela es visible en la esquina superior del mural, su dibujo en perspectiva del vecindario industrial cercano que más tarde se convertiría en el turístico Fisherman’s Wharf.

"Creo que es un homenaje importante a un período en el que San Francisco realmente era una ciudad de clase trabajadora", dijo la Gerente de Instalaciones de SFAI, Heather Hickman Holland, "con gente cortando mármol aquí mismo, ahora donde estás comprando tu tazón de sopa".

Local

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Fue Holland quien notó por primera vez las extrañas líneas en las paredes blancas del pasillo que inicialmente pensó que eran telarañas. Después de acercarse con la luz de su teléfono, se dio cuenta de que las líneas eran los perfiles de rostros que sobresalían de las profundidades de la pintura.

“Me di cuenta de que había frescos aquí de los que nos habíamos olvidado”, dijo Holland.

En una pared tras otra, donde miles de estudiantes habían pasado en fila a lo largo de los años, encontró más evidencia de murales. Dirigió su curiosidad a la biblioteca de la escuela, donde descubrió un puñado de documentación que mostraba que se habían pintado una serie de murales en la escuela durante la era del New Deal. Fue el mismo período de tiempo que resultó en los murales de Works Progress Administration, que se pintaron en lugares como Coit Tower, donde Olmsted también pintó. El auditorio de la escuela cuenta con un enorme mural de Diego Rivera en 1931.

La escuela recibió una subvención de arte de la ciudad para descubrir pequeños cuadrados de pintura en las paredes, revelando indicios de lo que podría haber debajo. La escuela finalmente recibió subvenciones de la Fundación Henry Mayo Newhall y la organización nacional Save America’s Treasures para finalmente quitar la pintura de la pared donde se creía que descansaba el mural de Olmsted.

Cuando la conservadora de arquitectura Molly Lambert y su equipo comenzaron a quitar la pintura, los rostros de los trabajadores de la década de 1930 comenzaron a emerger de su largo letargo. Las nueve figuras volvían a trabajar cortando y moviendo losas de mármol, fumando cigarrillos y puliendo las piezas recién cortadas.

"Por supuesto, cuando descubres algo como esto, no estás seguro de cuál será la calidad", dijo Lambert. "Pero esto es fantástico".

Una vez que se eliminó la mayor parte de la pintura, el trabajo se redujo a un raspado delicado para eliminar las capas finales. Lambert estimó que el fresco estaba cubierto con una docena de capas de pintura.

"Quiero decir, mira a este tipo, incluso tiene un cigarrillo que dice Chesterfield", se rió Lambert, señalando una figura. "Estaría vapeando hoy".

Una vez que el mural estuvo mayormente descubierto, Holland se puso su sombrero de detective una vez más. Se aventuró a la cercana North Point Street, donde se encontró con un edificio con arcos de ladrillo que combinaban con los del mural. Resultó que el actual restaurante Brick and Beam se encuentra en lo que una vez fue la fábrica de mármol representada en el fresco.

"Si regresa y mira fotos históricas del período de tiempo, era un área realmente industrial", dijo Holland.

El descubrimiento del mural se produce en un momento en que la Junta Escolar de San Francisco votó recientemente para cubrir un polémico mural en la escuela secundaria George Washington. La junta había votado originalmente para pintar sobre el mural, pero luego decidió simplemente cubrirlo.

"Es un momento interesante para descubrir algo del pasado", dijo Holland.

La escuela planea comenzar a trabajar para descubrir más murales escondidos debajo de la pintura en los pasillos. Pronto, los estudiantes de la escuela pasarán junto a pinturas históricas y coloridas mientras se dirigen a las clases en lugar de las paredes genéricas y vacías. "Estás viendo algo que siempre ha estado ahí", dijo la restauradora de arte Samantha Emmanuel, que trabaja en el equipo de Lambert. "Simplemente lo trajimos a la vanguardia".


Inventando la escena artística de San Francisco / Los bohemios de los años 50 alteraron el mundo desde sus lofts en la ciudad

7 de 9 Wally Hedrick "Madonna and Wire Wheel" 1983 óleo sobre lienzo 96 "x 66" Wally Hedrick, que se muestra aquí mostrando una de sus enormes pinturas al óleo, le dio un estilo descarado, crudo y original a su obra de arte. Mostrar más Mostrar menos

8 de 9 JESS COLLINS "Fig. 6 - Un cordero para Pylaochos: Herko, N.Y. 1964: traducción # 16" 1966 óleo sobre lienzo sobre madera 24 3/8 "x 20" Mostrar más Mostrar menos

El evento más famoso en la historia del Beat en California es la lectura de 1955 de Allen Ginsberg de su poema épico "Howl". La parte que todos olvidan es que no solo leyeron otros cinco poetas fuertes esa noche, Gary Snyder, Michael McClure, Philip Whalen y Philip Lamantia, con Kenneth Rexroth como maestro de ceremonias, sino que también leyeron en una galería de arte. Fueron los artistas quienes hicieron posible ese momento de gran avance comunitario. El lugar era una cooperativa llamada Six Gallery en 3119 Fillmore, cerca de Union, y uno de sus pilares era el artista Wally Hedrick, quien murió el 17 de diciembre en el condado de Sonoma. Antes de que fueran los Seis, había sido la Galería del Rey Ubu. Six Gallery fue dirigida por el poeta Robert Duncan, su amante Jess (nacido Burgess Collins), quien murió en San Francisco el 2 de enero y otro artista.

Tanto Jess como Hedrick llegaron al Área de la Bahía a principios de la década de 1950 y ninguno se fue. Hicieron mucho para crear una cultura en la que fuera posible hacer un gran arte, y también hicieron algo de ese arte. El trabajo de Hedrick era descarado y crudo, particularmente en comparación con los collages y pinturas herméticos y líricos de Jess, pero ambos eran originales absolutos cuyo trabajo todavía define algo sobre el Área de la Bahía. Vinieron aquí porque era un santuario de la cultura de la Guerra Fría y abrieron un poco más sus puertas.

A finales de la década de 1980, cuando tenía veintitantos, comencé a investigar mi primer libro. Fue sobre este grupo de artistas, que eran de la generación de mis padres pero no se parecían en nada a mis padres. Me había enamorado de un collage de uno de ellos, Wallace Berman, unos años antes, y fui a buscar un libro sobre él, asumiendo ingenuamente que todos los artistas importantes tenían alguna documentación. No había casi nada, así que comencé a escribir el libro que quería leer y luego me di cuenta de que Berman no había estado solo, sino que era una estrella en una constelación californiana de arte insurreccional de los años cincuenta.

Los logros de los seis artistas que finalmente elegí para escribir fueron asombrosos. Cada uno de ellos no solo había realizado obras de arte espectaculares, sino que también su trabajo era visionario, profético e influyente en formas tortuosas. Habían formado una comunidad de estímulo e inspiración mutuos mucho antes de que los académicos y el mundo del arte les prestaran atención, y la comunidad era también una especie de obra maestra, una prefiguración de la contracultura o de sus albores.

Vivían sus vidas como aventuras, no como deberes. No habían buscado seguridad financiera ni éxito profesional. Vivían de acuerdo con sus principios, sin concesiones, y aunque a veces eran pobres y a menudo estaban en una situación precaria, nunca parecían arrepentirse. Para mí, recién salidos de un trabajo editorial y repletos de advertencias maternas sobre seguros médicos y cuentas de ahorro, eran modelos fabulosos. Entonces no sabía que no me estaba tomando un año libre para escribir un libro, que más de 15 años después seguiría siendo un escritor independiente, pero cuando miro hacia atrás, veo cuánto modelaron las posibilidades. para mi. No es que estuviera a la altura de ellos, pero al menos sabía lo que podían ser.

Jess, nacida en 1923, se había criado en el sur de California (al igual que Hedrick). Siempre tuvo fuertes inclinaciones hacia la creación de arte, pero dejó que los principios prácticos de su padre lo guiaran hacia la química, y cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, se convirtió en químico nuclear que trabajaba en plutonio para el Proyecto Manhattan. Horrorizado por lo que hicieron las bombas atómicas del proyecto, tuvo una visión del fin del mundo y decidió que si el mundo estaba condenado, también podría hacer lo que realmente valoraba. Así llegó a matricularse en la Escuela de Bellas Artes de California (ahora San Francisco Art Institute) en su apogeo, cuando el padrino de la pintura figurativa del Área de la Bahía, David Park, y el magistral abstraccionista Clyfford Still se encontraban entre sus maestros.

Pero no se contentó con retomar el estilo dominante del expresionismo abstracto, la forma oficial de rebelión en la época. Comenzó a pegar imágenes de revistas, a hacer referencia a cuentos de hadas, a trabajar con palabras, con la cultura pop y, finalmente, con emblemas herméticos y tradiciones místicas: el Tarot, la alquimia. Su trabajo era abiertamente gay en su apreciación de los desnudos masculinos y abiertamente poco masculino al atreverse a ser bonito, delicado, juguetón, todo lo más lejos posible de Jackson Pollock, al igual que las omnipresentes referencias literarias (a todo, desde "The Mago de Oz "a" Finnegans Wake "). Dejó su apellido para desautorizar a su familia. También se instaló con el poeta Robert Duncan, quien era un gran rebelde (Duncan acababa de quemar muchos de sus puentes al publicar un ensayo sobre ser gay) y los dos vivieron juntos hasta la muerte de Duncan a fines de la década de 1980. La rebelión de Jess fue tranquila, gentil y absoluta.

La versión oficial de la historia del arte describe a Nueva York: primero estaba el expresionismo abstracto con su misticismo machista y desencantado, luego en los años 60 estaba el pop, que se ocupaba de la publicidad, las bromas y la cultura de consumo contemporánea. Artistas como Jess arruinaron esa cronología al hacer un trabajo que era ambos, una década antes de que se suponía que llegara Pop. A mediados de la década de 1950, estaba cortando y reorganizando la tira cómica Dick Tracy en un revoltijo surrealista cuyo título rediseñado ahora decía "Tricky Cad". Los collages expresaron tanto el deleite por la riqueza visual de la historieta como la resistencia a su autoritarismo.

El trabajo de Jess siempre consistió en rehacer el mundo existente en algo más rico y extraño, a través de la pintura sobre pinturas de tiendas de segunda mano, la ejecución de imágenes encontradas en un estilo de pintura por número y el collage. Tomó el elegante eufemismo "Modess porque" anuncios de compresas sanitarias de la época y los reconfiguró en una serie de deidades festivamente distorsionadas cuyo lema ahora decía "Diosa porque".

El trabajo del veterano de la Guerra de Corea, Wally Hedrick, era aún más una prefiguración del arte pop. Uno de mis favoritos siempre ha sido "Fred's TV", una pintura alta en ricos tonos marrones de una consola de televisión estilo pedestal, que parece una especie de obelisco de un templo. La pantalla estaba llena de jeroglíficos y una boca roja se abrió al pie de la cosa. Era espeluznante, místico y sarcástico a la vez, como solía ser el trabajo de Hedrick. Al igual que Jess, pudo unir cosas que eran contradictorias o mutuamente excluyentes. También comenzó a pintar banderas en la década de 1950, antes de que lo hiciera Jasper Johns de Nueva York, aunque ninguna de las pinturas sobrevive. Hedrick, siempre anti-arribista, pintó muchas de esas banderas de negro para protestar contra la guerra de Vietnam. Fue una protesta idiosincrásica, pero apasionada.

Hedrick estaba casada con el pintor Jay DeFeo, quien se ha vuelto mucho más conocido desde su muerte en 1989 (recientemente se exhibió una muestra de su trabajo en el Whitney de Nueva York). Durante varios años, a finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, vivieron en un edificio de artistas famosos en 2322 Fillmore, cuyos otros pisos fueron habitados a lo largo de los años por el pintor Joan Brown, el poeta Michael McClure y una sucesión de otros artistas. Esto fue durante la era de la huida de los blancos a los suburbios y de los alquileres bajos, cuando las parejas de artistas que vivían de un sueldo a tiempo parcial parecían tener su elección en el mercado inmobiliario abierto. Políticamente, los años 50 fueron mucho más opresivos que el presente; casi cualquier inconformidad podría interpretarse como comunista, y hubo muchos menos que se atrevieron a disentir. Pero económicamente, los tiempos eran fáciles y parte de la libertad de los artistas provenía de la falta de presión financiera.

El solo hecho de elegir vivir en San Francisco parecía, en la década de 1950, una decisión de renunciar a una carrera. Lo que se llama "el mundo del arte" apenas existía, ya que casi no había galerías ni oportunidades de vender obras, aunque The Chronicle tenía un buen crítico de arte, Alfred Frankenstein, y el Museo de Arte Moderno de Young y San Francisco tenía directores audaces y curadores. Nadie esperaba ganarse la vida haciendo arte, y cuando llegaba la oportunidad, a menudo no se molestaban en responder. Hedrick y DeFeo fueron incluidos en la exhibición de 16 estadounidenses del Museo de Arte Moderno que también dio a Jasper Johns y Robert Rauschenberg su debut en el museo, pero no se molestaron en ir a Nueva York para la inauguración que podría haber iniciado sus carreras. Hedrick estaba ocupado pintando sus banderas de negro. DeFeo estaba trabajando en "La rosa", la enorme pintura a la que dedicaría siete años de su vida. Ambas eran buenas formas de sabotear una carrera.

Aunque Jess tenía muchos amigos cercanos, decidió no salir mucho de casa y renunciar a fiestas y eventos públicos. A mediados de la década de 1960, él y Duncan habían comprado su casa en 20th Street en Mission, donde Jess vivió hasta su muerte hace unas semanas.

Lo visité allí para entrevistarlo en 1988. Era un reino mágicamente introspectivo, con ventanas cubiertas, un maravilloso desorden de lámparas Tiffany y otras cosas que Victoriana compraba cuando esas cosas todavía estaban en las tiendas de segunda mano para una canción, con escondites de libros en muchos habitaciones y el arte de Jess y el arte de amigos, como el pintor británico RB Kitaj, en las paredes. En el piso superior estaba el estudio de Jess con un desorden más fantástico: marcos antiguos, recortes listos para collages, estatuillas, fotografías, y en un estante un pequeño letrero de cartón con letras en colores pastel: "Las siete virtudes mortales del arte contemporáneo". Enumerados entre esos pecados: originalidad, espontaneidad, sencillez e inmediatez. Visité de vez en cuando a lo largo de los años, bebiendo café suave y hablando de libros para niños. Dejé de ir en los últimos años, porque Jess tenía Alzheimer y pensé que explicarle quién era yo y por qué deberíamos hablar podría ser una carga para él. Ahora lo lamento.

Hedrick se había ido cada vez más al norte, viviendo en Bodega Bay en los últimos años. Eludió una carrera con tanta avidez como cualquier artista la ha seguido, enseñando pintura en el College of Marin, mostrando aquí y allá, y pareciendo completamente satisfecho con la vida que resultó. Me dijo que en la década de 1950, "había una tradición de que los pintores figurativos, se llamaban los higos, interpretaran a los Creepy Crawlers, que eran los expresionistas abstractos, todos los años para ver quién era mejor. el grupo saldría con un equipo y yo sería el árbitro. Estoy muy orgulloso del hecho de que ellos confiarían en mí. Quiero decir, yo no tenía nada que ver con ninguno de los dos estilos, y el hecho es que ellos lo reconocieron. " Pero continuó tocando el banjo en Studio 13 Jass Band, formada a principios de la década de 1950, cuando entre sus miembros se encontraban los distinguidos pintores David Park (piano) y Elmer Bischoff (trompeta).

La banda de jazz, como King Ubu y Six Galleries, fue uno de los muchos gestos para hacer una comunidad y una cultura. Porque lo que estos artistas se dieron cuenta es que antes de que pudieran hacer arte tenían que hacer una cultura en la que fuera posible hacer arte, y tal cosa apenas existía en la costa oeste en su día. Lo hicieron iniciando proyectos colectivos (galerías, publicaciones, sociedades de proyección de películas), pero también prestando atención y apoyando las obras de arte de los demás, y enseñando y asesorando a artistas más jóvenes. La comunidad resultante mezcló pintores, poetas y cineastas, heterosexuales y queers: no había suficientes disidentes para permitir que la gente formara camarillas homogéneas de contracultura, como lo hace ahora el Área de la Bahía.

De los seis artistas sobre los que escribí, solo Bruce Conner, que todavía vive y trabaja en San Francisco, adquirió alguna vez un perfil alto, y eso más por su película experimental que por su arte visual. Pero como cultura clandestina sembraron lo que florecería como la contracultura de la década de 1960, así como las sensibilidades artísticas de las generaciones posteriores. Hedrick enseñó a Jerry García en el Instituto de Arte de San Francisco y generaciones en el campus de Indian Valley de College of Marin en Novato. Jess nunca enseñó, pero conozco a tres poetas que lo consideran una gran influencia, dos de los cuales enseñan en San Francisco, y debe haber muchos más. Su trabajo se encuentra en las principales colecciones de museos de todo el país, y una exposición reciente de South of Market documentó su influencia en una generación más joven de artistas. Al hacer arte que era abiertamente político, místico, sexual, lúdico y lleno de íconos de la cultura popular, estaban expandiendo las posibilidades del arte visual y desarrollando un nuevo lenguaje para describir el mundo en el que todavía vivimos y, más particularmente, para definir lo que el Bay Area se convertiría.

En estos días, hacer arte, escribir y, de hecho, la mayor parte de lo que hacemos me parece un acto de fe. ¿Quién sabe quién lo verá, si alguna vez tocará una cuerda resonante, qué clase de mundo está naciendo y qué hará con estas ofrendas en el altar del futuro? No puede saber cuál será su impacto, pero puede guiar por principios e inspiración. Nadie lo hizo con más integridad y pasión que estos artistas.


Arte de California

La fundación de la Sociedad de Pioneros de California y la Colección de Arte Pioneer
Desde el principio, San Francisco fue el centro de la vida intelectual y cultural de California (Hughes, 2002). La primera afluencia de artistas estadounidenses en California llegó con la fiebre del oro. A partir de San Francisco en la década de 1850, la Sociedad de Pioneros de California comenzó a acumular todo tipo de bienes históricos, incluidos dibujos, pinturas y grabados. En 1894, el primer edificio de la Sociedad en Pioneer Place se convirtió en el almacén de esta ecléctica colección de tesoros históricos. Hasta finales del siglo XIX, la colección de arte exhibida en Pioneer Hall era la única colección en San Francisco que brindaba acceso completo al público (Evans, 1955).

Fue una gran pérdida para la Sociedad y para California cuando todo, excepto el contenido de la bóveda, se perdió en el gran terremoto e incendio de 1906 (Evans, 1960). Después del incendio, la Sociedad comenzó inmediatamente a reconstruir sus colecciones, comenzando por la biblioteca. Se reunió una segunda colección de arte, en su mayoría de arte que había sobrevivido en colecciones privadas, y creció con el tiempo desde los gustos y la generosidad de sus donantes hasta donde hoy la considerable colección de la sociedad asciende a cerca de 2.500 obras de arte individuales (Haas, 1999). En 1934, la sociedad compró la Colección John Drum, que incluía un gran número de raras litografías y pinturas tempranas de California que cubrían una amplia gama de temas tempranos. En 1940, la Sociedad adquirió la Colección Turrell de materiales impresos, negativos fotográficos y grabados, y valiosos bocetos y dibujos. En la década de 1960, las colecciones McCarthy, Meussdorffer y Eppler enriquecieron aún más las posesiones de la Sociedad con obras importantes adicionales de los primeros pintores de California y una impresionante colección de litografías a gran escala de la California del siglo XIX (Evans, 1960 Haas, 1999).

Si bien algunas piezas se valoran principalmente por su documentación histórica, otras obras de arte son apreciadas tanto por logros artísticos como por importantes registros del pasado. El director de la sociedad, Elliot Evan, observó: "A partir de estas imágenes, se nos comunica gran parte del sentido de urgencia y significado del artista pionero del aquí y ahora, de la historia en proceso". (Evans, 1955: 12) Tanto la vida personal como la artística de estos primeros artistas pioneros de California estaban entrelazadas con la historia: estaban creando historia a medida que creaban su arte. Los primeros artistas fueron fundadores del Bohemian Club, miembros de la Pioneer Society, el Comité de Vigilantes del departamento de bomberos voluntarios, etc. En esta descripción general y en las biografías individuales de los artistas de la colección de la Pioneer Society, encontrará que las conexiones históricas son tan intrigantes como sus logros artísticos.

La colección fotográfica de más de 60.000 imágenes se considera en una colección separada y las impresiones litográficas se consideran en una categoría separada. En la discusión de obras de arte originales a continuación, incluidas pinturas (acuarelas, pasteles, óleos) y dibujos, los artistas y los temas y estilos de arte que representan la parte más fuerte y cohesiva de la colección de arte de principios de California de la Sociedad desde mediados del siglo XIX hasta aproximadamente a principios del siglo XX se explorará (Capecci, et al., 2005). Las biografías individuales de artistas importantes de la colección están vinculadas a esta descripción general.

Arte de la fiebre del oro
Historiador de la Sociedad de Pioneros de California J.S. Hittell comentó en 1878 sobre la rápida transformación de San Francisco de “un pueblo tan insignificante que apenas tenía una mención en el mapa” a palacios “que rivalizan con las casas de los príncipes europeos” (Olmsted, 1971: 1).

San Francisco creció rápidamente de una ciudad en auge al París del Oeste a partir de las riquezas acumuladas por la Fiebre del Oro de 1849, tanto de la minería como de la prestación de servicios a los buscadores. El deseo de Estados Unidos de competir con la cultura europea en el siglo XIX alimentó la demanda de retratos formales y en ningún lugar fue tan cierto como en los primeros días de San Francisco, donde los retratistas pronto se convirtieron en residentes establecidos (Jones, 1995 Hughes, 2002: 7). El artista pionero William Keith comentó sobre el apogeo del arte temprano de San Francisco:

“La gente tenía dinero, tenía más de lo que necesitaba, así que compraban obras de arte generosamente… los hombres que podían mezclar colores y poner colores en lienzos no tenían problemas para vender el lienzo terminado. Algunos de los que vendían cuadros aquí en esos días podían hacer más que mezclar colores, y algunos incluso podían pintar cuadros que merecían ser clasificados como obras de arte ... el país era joven entonces y los hombres podían ver la poesía y el romance y el arte que yacían en sus propias puertas ... ”(The Call, 1895)

La Sociedad ha acumulado una importante colección de estos primeros retratos que incluye un retrato de James Lick de Alice Chittenden, varios de William Smith Jewett, incluidos retratos de Joseph Folsom y John Sutter, y el retrato de Adeline Ballou del icónico personaje de San Francisco, el emperador Norton. Incluso con el advenimiento de la fotografía en la década de 1850, se consideraba que la pintura tenía más estatus entre los ricos y la demanda de pintura se mantuvo fuerte hasta bien entrado el siglo XX (Capecci, et al., 2005).

Las pinturas de género del hogar y la vida cotidiana en California que reflejan la singular diversidad y originalidad de la cultura de California fueron temas populares en los primeros días y están bien representados en la colección de la Pioneer Society. Cuatro pinturas de género excepcionales forman parte de la colección de la Sociedad de la época anterior al terremoto: El pionero por Jules Tavernier, pintado en 1877 William Ralston conduciendo su buggy de dos caballos por Thomas Hill en 1860 año Nuevo Chino por Ernest Narjot en 1888 y El sueño del minero por un artista desconocido ca. 1850 (Haas, 1999).

La era de la gran pintura paisajista
Durante la década que siguió a la finalización del ferrocarril transcontinental en 1869, la naturaleza virgen y escénica de California se volvió más accesible (Jones, 1995: 1). La grandeza de la escarpada Sierra Nevada, las secuoyas gigantes y el valle de Yosemite se convirtió en un imán para los artistas de los estados del este y Europa. El paisaje de California se convirtió en el símbolo de la expansión occidental y el destino de Estados Unidos, mitificado como un exótico Edén virgen (Capecci et al., 2005). El historiador de California Kevin Starr explica: & # 8220 La década de 1870 estaba emergiendo como una edad de oro de la pintura de paisajes en el Far West, y la Atenas de esta edad de oro era San Francisco & # 8221 (Starr, 2011). Durante la próspera década de 1870, muchos mecenas adinerados encargaron grandes paisajes para adornar las paredes de sus palaciegas casas de San Francisco. (Hughes, 2002: 8 Baird, 1970: 5)

Muchos artistas de California habían viajado por tierras exóticas de camino a San Francisco antes de la construcción del Canal de Panamá. En la década de 1870, las pinturas de paisajes tropicales se pusieron de moda y muchos artistas pintaron escenas tropicales a partir de dibujos y fotografías realizados en el camino a California y nuevos viajes a Hawai, México y América del Sur y Central (Neubert, 1971). Desde el principio, el arte en California desarrolló una identidad regional caracterizada por un profundo sentido del lugar, una especie de comunión mística entre el artista y la tierra. Las personas se representaban típicamente en una proporción pequeña en comparación con la gran escala de la naturaleza circundante. La mayoría de estos primeros artistas, incluidos Thomas Hill y William Keith, viajaron extensamente por la Sierra a pie o a caballo durante largos viajes de dibujo. Los dibujos de campo se utilizaron para desarrollar paisajes pintados terminados en sus estudios de San Francisco (Jones, 1995: 1). Además de Hill y Keith, otros notables paisajistas de la época incluidos en la colección de la Sociedad de Pioneros de California son Hiram Bloomer, Ransom Holdredge, Virgil Williams, Julian Rix, William Marple y Juan Wandesford (Miller, 1975). Durante este mismo período, los temas marítimos y otros temas de transporte como los trenes se representaron en paisajes marinos y paisajes. La colección de la Sociedad incluye notables artistas marítimos de California de este estilo, Gideon Denny, William Coulter y Charles D. Robinson.

Movimientos de artistas tempranos en San Francisco
La primera gran exposición de arte en California se celebró en 1857 en la Primera Exposición Industrial Anual del Instituto de Mecánica de San Francisco. La California Art Union fundada en 1865 celebró solo dos exposiciones de arte (Mille, 1975: 10). Fundado en 1872 en San Francisco, el club Bohemia se convirtió en un centro para el crecimiento del arte y todo lo cultural. Entre sus miembros fundadores se encontraban los artistas Jules Tavernier, Thomas Hill, William Keith y Theodore Wores, cuyas obras están representadas en la colección de la Sociedad. Fundada en 1871, la Asociación de Arte de San Francisco estableció la primera escuela de arte, la Escuela de Diseño de California, en 1893 ubicada en la antigua mansión de Mark Hopkins. La Escuela de Diseño fue un campo de entrenamiento para artistas emergentes y eventualmente se convirtió en el actual Instituto de Arte de San Francisco (Hughes, 2002). Las primeras artistas mujeres expusieron en el bastión exclusivamente masculino del club bohemio y fueron miembros fundadores de la Art Association. De los sesenta estudiantes de la primera promoción de la Escuela de Diseño, cuarenta y seis eran mujeres. Una de estas primeras estudiantes, Alice Chittenden, se convirtió en una de las primeras mujeres en exponer en el Bohemian Club, la primera mujer miembro de la facultad de la Escuela de Diseño y miembro fundador del Club de Sketch de mujeres de 1906. Las obras de Chittenden están incluidas en la colección de la Sociedad de Pioneros de California, así como la miembro del Sketch Club Mary Richardson (Wilson, 1983).

Influencias europeas
Los artistas de la escuela francesa de Barbizon de mediados del siglo XIX se convirtieron en los primeros pintores al aire libre en trabajar al aire libre, donde experimentaron el paisaje directa y personalmente. “En plein air” es una expresión francesa que significa & # 8220 al aire libre & # 8221 (Jones, 1996 Baird, 1967). Su estilo evocador, realista y romántico se adaptaba bien a la inclinación de California a ver el paisaje como una metáfora. Hiram R. Bloomer y Ransom Gillet Holdredge, ambos representados en la colección de The Society of California Pioneers, estuvieron entre los primeros artistas de California en partir hacia París, subastando sus pinturas en 1874 para financiar el viaje (Baird, 1967). El pintor danés Joachim F. Richardt adoptó este estilo en su pintura de 1876 San Francisco a la luz de la luna, considerada una de las obras de arte más importantes del San Francisco anterior al terremoto y una de las principales obras de la colección de la Sociedad (Harrison, 1989). La famosa pintura El descubrimiento de Portola de la bahía de San Francisco de Emile Pissis expuesta en 1896 es también una obra importante de este período y estilo en nuestra colección.

Si bien el tonalismo de California de los años 1890-1920 tuvo sus orígenes en el movimiento francés Barbizon, es distinto de la pintura al aire libre. El tonalismo exploró el paisaje de la imaginación del artista en lugar de un lugar identificable utilizando una paleta discreta de colores fríos y grises para escenas que a menudo se ven a través de una niebla en la luz tenue de la mañana o la noche (UC Davis, 1967 Jones, 1995). Estos tranquilos paisajes de naturaleza intensamente personal permiten al espectador imaginarse paseando o sentado tranquilamente en un paisaje de escala humana, en contraste con las grandiosas y salvajes vistas de Yosemite. El tonalismo se convirtió en el estilo dominante en el norte de California a principios de siglo, mientras que la influencia del impresionismo apenas comenzaba a sentirse en California décadas después de su desarrollo en Europa. William Keith fue influyente más adelante en su carrera artística al hacer del tonalismo el estilo artístico dominante a fines del siglo XIX.

Tiempos de auge y caída, desastre y diáspora
La popularidad de los paisajes de California apoyó a una próspera comunidad artística hasta la década de 1880, cuando un declive económico resultante del fin del boom de la plata en Nevada en 1878 y el aumento de los viajes al extranjero en grandes giras de moda por parte de los ricos mecenas del arte de San Francisco cambiaron los gustos para coleccionar más arte europeo. . Los estudiantes matriculados en la Escuela de Diseño de San Francisco, que enfrentaban perspectivas muy reducidas en su país de origen, se marcharon para estudiar en el extranjero (Miller, 1975 Wilson, 1983). Los artistas de San Francisco William Keith y Arthur E Mathews, inspirados por sus estudios en París, construyeron un puente entre las antiguas tradiciones artísticas de paisajes épicos de California y los primeros experimentos impresionistas de una nueva generación emergente de artistas inspirados en los movimientos artísticos europeos. Keith y Mathews fueron fundamentales en la organización de la exhibición de arte en la Feria Internacional de Midwinter de California de 1894 celebrada en el Golden Gate Park de San Francisco, que revivió la escena artística estancada en California (Hughes, 2002). Sin embargo, la revitalizada escena artística de San Francisco murió con el terremoto y el incendio de 1906. Galerías, colecciones privadas y estudios de artistas se perdieron en un golpe mortal más profundo que la caída del arte de la década de 1880. A raíz de la destrucción, un éxodo de artistas partió de San Francisco hacia otros lugares, incluido el sur de California.

Impresionismo de California y el desarrollo de una identidad regional
A pesar de la atención que generó para los artistas californianos la Exposición Internacional Panamá-Pacífico de 1915, que ha sido calificada como la “línea divisoria más importante en la historia del arte de California” (Wilson, 1983: 7), a principios del siglo XX todos menos los más famosos de los primeros artistas de California cayeron en una relativa oscuridad en la escena artística nacional. A pesar de su perfil más bajo, un movimiento de arte regional floreció entre 1900 y 1950 cuando los paisajes dramáticos de California y la calidad de la luz se convirtieron en los temas favoritos de los artistas del plein air inspirados en los impresionistas de California en el sur de California en lugares como Carmel-by-the-Sea, Laguna Beach, Los Ángeles y Pasadena desde la adolescencia hasta la década de 1930. La escuela francesa Barbizon en el norte de California se había arraigado tanto que tendía a inhibir la introducción de nuevas influencias (Hughes, 2002) con la excepción de la “Sociedad de los seis” de Oakland organizada en 1917 (AskArt) y el surgimiento de la Estilo decorativo de California. El uso del color por parte del pintor de la Sociedad de los Seis en las pinturas al aire libre allanó el camino para los artistas modernos de posguerra de la región, como Richard Diebenkorn y Wayne Thiebaud. Arthur Mathews, quien fue juez de arte en la Exposición Panamá-Pacífico, inspiró un estilo post-terremoto conocido como Decorativo de California con pinturas en un estilo decorativo plano de figuras clásicas retozando en paisajes idílicos, murales y diversos objetos decorativos durante el apogeo del Movimiento de artes y oficios estadounidenses. (Hughes, 2002) Representado en la colección de la Sociedad de Pioneros de California, Eugen Neuhaus, un artista nacido en Alemania que llegó a California justo antes del terremoto, desarrolló su propia versión del estilo decorativo en paisajes tipo mural con áreas audaces de color plano (Baird, 1970).

El impresionismo californiano alcanzó su pico de popularidad en los años previos a la Gran Depresión de 1929, cuando el mercado del arte colapsó junto con el resto de la economía (Stern, 2001). Después de ese tiempo, hubo un creciente interés en la pintura social realista para reflejar las luchas de la época y una generación más joven de artistas comenzó a experimentar con la pintura abstracta inspirada en temas más allá del paisaje (Jones, 1996). En las décadas de 1960 y 1970, el arte estadounidense del siglo XIX disfrutó de un renacimiento y, una vez más, las pinturas de paisajes tempranos, majestuosos y románticos de California disfrutaron de una renovada apreciación a medida que la naturaleza estadounidense desaparecía rápidamente de la embestida del desarrollo urbano (Baird, 1970).

-Dana Smith, pasante
Noviembre 2012

Libros

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Catálogos de exposiciones de arte

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Materiales impresos - Sociedad de pioneros de California

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Instituto de Arte de San Francisco - Historia

Después de importantes recortes y críticas de los estudiantes, algunos pensaron que SFAI era historia, pero la escuela de arte de 149 años no se rinde.

/> San Francisco Art Institute, Chestnut Street Campus (Foto cortesía de SFAI)

Justo antes de las 3:30 p.m. El lunes 23 de marzo, Gordon Knox, presidente del Instituto de Arte de San Francisco, y Pam Rorke Levy, presidenta de su Junta de Fideicomisarios, enviaron un correo electrónico de nueve párrafos, con un asunto de una palabra de "Actualización", a la estudiantes, profesores, personal y simpatizantes de la escuela que dijeron que la institución estaba "considerando la suspensión de nuestros cursos regulares y programas de grado que comienzan inmediatamente después de la graduación en mayo de este año".

El Instituto de Arte de San Francisco ha funcionado durante 149 años, y la noticia de que pronto podría dejar de ser una institución que otorga títulos y pronto dejará de ser el tipo de escuela que atraía a un quién es quién de la facultad (incluidos Ansel Adams, Dorothea Lange , Mark Rothko, David Park y Joan Brown) y una lista de estudiantes que se convirtieron en estrellas del mundo del arte (incluidas Annie Leibovitz, Karen Finely y Kehinde Wiley), fue uno de los anuncios más impresionantes que se hicieron en el El mundo del arte de San Francisco en los últimos tiempos.

Las siete semanas desde ese fatídico correo electrónico han sido igualmente tumultuosas. El cuerpo docente de la escuela recibió avisos de despidos. A los estudiantes que se suponía que continuarían sus clases en el otoño se les dijo que buscaran otra escuela. Y algunos de estos profesores y estudiantes, enojados por el repentino cambio de suerte de la escuela, acusaron a la administración de incompetencia, diciendo que la escuela se extralimitó cuando se endeudó con millones de dólares en 2015 para abrir una extensión del campus en Fort Mason, y que SFAI's Los problemas presupuestarios, que provocaron el anuncio del 23 de marzo, fueron en parte culpa de la propia escuela.

La escuela, que tiene una deuda de $ 19 millones y anualmente tiene un déficit presupuestario, tenía 700 estudiantes en 2015. Ahora solo están matriculados unos 300. El número cada vez menor de estudiantes del Instituto de Arte de San Francisco, una realidad que también enfrentan las universidades de los Estados Unidos, se ha visto agravada por el alto costo de vida de San Francisco, dice Levy, quien defiende la expansión de la escuela en Fort Mason como un paso necesario para evolucionar. programas de la escuela y brinde a los estudiantes graduados un espacio cercano y asequible para estudios en lugar de hacer que caminen por San Francisco hasta 3rd Street, donde ejecuta su programa 3rd Street Studios.

/> San Francisco Art Institute & # 8217s Fort Mason Center campus. (Foto cortesía de SFAI)

"Tal vez hubiera sido mejor no conseguir Fort Mason", dice Levy. SF semanal. "Pero cuando pienso en la alternativa, no sé que ese tampoco habría tenido razón. Creo que eso podría haber tenido un efecto aún más dramático en la inscripción a largo plazo ".

Levy y el director de operaciones Mark Kushner lo dicen SF semanal que el Instituto de Arte de San Francisco aún puede continuar su papel de larga data como institución que otorga títulos. También dicen que una gran cantidad de apoyo público ha recaudado más de $ 4 millones en las últimas siete semanas, y que Wiley, cuyas pinturas se venden regularmente por más de $ 250,000, se ha ofrecido a donar cinco obras de arte durante cinco años para recaudar fondos para becas para la escuela. los estudiantes más necesitados. Las donaciones futuras y las próximas subastas benéficas de obras de arte de Wayne Thiebaud, Robert Mapplethorpe y otros artistas también reforzarán las arcas de la institución, y Levy dice que la escuela todavía está considerando vender su posesión más valiosa: un mural de 1931 valorado en $ 50 millones, La realización de un fresco que muestra la construcción de una ciudad, ese aclamado muralista mexicano Diego Rivera pintó dentro del antiguo campus de Russian Hill de la institución en Chestnut Street.

“Sería negligente no considerarlo”, dice Levy. "Cualquier institución pequeña que tenga una obra de arte valiosa siempre está pensando: '¿Qué compraría ese trabajo en términos de generaciones de estudiantes?'"

Levy y Kushner dicen que también están considerando otras opciones, incluida la conversión del Instituto de Arte de San Francisco en una escuela que ofrezca clases de educación para adultos, clases en línea para estudiantes de todas las edades o seminarios similares a residencias donde artistas como Wiley ingresarían y enseñar. En otras palabras, el San Francisco Art Institute puede reinventarse a sí mismo como una institución que combina clases de arte populares para adultos (como clases ofrecidas por UC Berkeley Extension, Stanford Continuing Studies y otros medios educativos) con clases en línea y en persona para estudiantes. que estén interesados ​​en una experiencia más académica.

“Puede ser que tenga más sentido para nosotros ser un programa de residencia de artistas en el que invitamos a Kehinde a regresar y él imparte una clase magistral”, dice Levy. “Hay todo tipo de permutaciones diferentes que podríamos analizar. Podríamos activarlo también como un espacio social, que sea parte de la comunidad. … Enseñamos arte práctico en el estudio en un entorno muy personalizado, algo muy personal. ¿Qué puede ser eso para otras plataformas? ¿Para otros públicos? ¿Para estudiantes adultos? Tomo una clase cada trimestre en Stanford Continuing Education, y probablemente lo haré por el resto de mi vida. ¿Por qué no llevar gente al Instituto de Arte de San Francisco para que sigan tomando clases de arte por el resto de sus vidas? Así que realmente estamos desarrollando esos otros mercados y la población de una manera que no lo hemos hecho en los últimos 10 a 20 años ".

“La desventaja de ser un programa de grado”, agrega Levy, “es que tiende a ser insular. Esta es una oportunidad para abrirlo y animarlo como lo fue durante la mayor parte de su historia ".

De 1871 a 1954, el Instituto de Arte de San Francisco no ofreció títulos, señala Kushner, diciendo que: “Era una asociación de arte. Fue para artistas. La escuela ha tenido muchas permutaciones históricamente y podrían ser muchas cosas diferentes en el futuro. Estamos tratando de reinventar cómo es una escuela de arte financieramente sostenible en el siglo XXI. ¿Cómo haremos esto durante los próximos 150 años? ¿Cómo nos mantenemos sostenibles para no tener este dolor anual de problemas financieros? "

Un escenario tiene la escuela fusionándose con otra institución, no otro campus de artes, sino uno con un mandato educativo más amplio, como una universidad privada, que podría permitir que el San Francisco Art Institute continúe con sus programas de otorgamiento de títulos. La escuela estuvo cerca de anunciar dicha fusión hace unos meses, pero esas conversaciones colapsaron en medio de la tambaleante economía, que ha sido golpeada por cierres de refugios en el lugar relacionados con COVID-19. Levy dice que la administración del instituto no tuvo más remedio que poner fin a los contratos de sus aproximadamente 150 profesores y personal, y decirles a los estudiantes que regresarían en el otoño para encontrar otras escuelas, aunque todavía existe la posibilidad de que el San Francisco Art Institute lo haga. , en el último minuto, conservará sus programas de otorgamiento de títulos en el otoño.

/> Mural de Diego Rivera en el campus de Chestnut Street de SFAI. (Foto cortesía de SFAI)

"Es nuestra intención ofrecer clases de grado", dice Kushner, "pero estamos trabajando con la acreditación y otras personas para comprender lo que eso significa. Así que eso es un "TBD". Ciertamente estamos ofreciendo clases de arte e instrucción de arte. Tenemos varios profesores que quieren enseñar el próximo año, y uno de los puestos está dotado. Estamos investigando "¿Qué es un programa de grado? ¿Y qué es un programa acreditado? ”. Eso también está todavía en el aire. ... Mi intención es ofrecer programas de grado, pero eso está por verse ".

Independientemente, algunos estudiantes y profesores dicen que las acciones pasadas y actuales de la administración reflejan una visión miope de la misión de la escuela, y que incluso desde el anuncio del 23 de marzo, la escuela ha estropeado su acercamiento a los estudiantes y profesores, creando un nivel de desconfianza que dicen. era innecesario y eso ha reprimido cualquier buena voluntad para la institución. Un ejemplo, dicen: para recaudar dinero, la administración está tratando de alquilar el espacio de Fort Mason de 67,000 pies cuadrados de la escuela, donde muchos estudiantes graduados todavía tienen sus obras de arte, pero, dicen, la administración ha ignorado sus solicitudes de información oportuna. actualizaciones sobre el posible alquiler, y que dicho alquiler podría obligar a los estudiantes durante las órdenes de refugio en el lugar de COVID-19 a recuperar sus pertenencias. Muchos estudiantes preferirían mantener sus obras de arte en Fort Mason durante el período de refugio obligatorio en el lugar.

"Nuestro problema es que la escuela parece estar eligiendo esta única vía de financiación, que en realidad dañará a sus propios estudiantes al obligarnos a mudarnos en medio de la pandemia", dice Evan Pettiglio, quien completó un MFA en arte de estudio este semestre. "A diferencia de elegir otras rutas para generar fondos que no requieran que más de 100 estudiantes vengan tal vez con una semana de diferencia entre ellos para sacar una gran cantidad de pertenencias del edificio, lo que podría ponernos a todos en riesgo".

Los estudiantes también dicen que la administración aprovechó mal la oportunidad de ayudar a los estudiantes que no se graduaron a transferirse a otras escuelas. "Nos dijeron desde el principio: 'Ustedes deberían transferirse a diferentes escuelas'. Pero la administración nos brindó poca o ninguna ayuda o dirección en términos de hacer esa transición sin problemas", dice Cardamom Blue, quien es uno de los tres estudiantes de SFAI que han formado un grupo de protesta llamado Extra Action Revolutionary Group, que dice que la administración de la escuela debería ser más responsable de las fallas financieras de SFAI y debería ser más transparente con los estudiantes, profesores y personal sobre cómo planea rectificar el las finanzas de la escuela y seguir adelante con las clases.

“No había excusa para que no se lanzaran a eso y ayudaran a su alumnado”, dice Blue.

Blue, quien este semestre obtuvo una licenciatura en SFAI, está dando un discurso de graduación en video para la graduación virtual de la escuela que está programada para el 16 de mayo. Hace unas semanas, Blue y los otros miembros del grupo lanzaron una pancarta de protesta a través de las puertas cerradas. del campus de Chestnut Street de SFAI que decía: "Aquí se encuentra la mejor escuela de arte de San Francisco, RIP, 1871-2020". Blue y los otros miembros del grupo dicen que se les ha dicho a los guardias de seguridad de la escuela que llamen a la policía de inmediato si aparecen manifestantes en cualquier lugar dentro del campus, pero dicen que las acciones del grupo han galvanizado a los compañeros de clase que abandonaron la escuela en frustración poco después del anuncio del 23 de marzo.

"Muchos de los estudiantes (SFAI) que han sido desplazados fuera del Área de la Bahía están felices y agradecidos de que estemos haciendo alguna cosa”, Dice Liz Hafey, una estudiante de posgrado de primer año que es otro miembro del Grupo Revolucionario de Acción Extra y dice que se está transfiriendo a otra escuela. "Así que representamos a una gran parte de nuestra comunidad".

Kal Spelletich, artista desde hace mucho tiempo e instructor adjunto que imparte cursos populares de robótica, piratería y arte y tecnología en el Instituto de Arte de San Francisco y que apoya al grupo, dice que la administración está haciendo sus planes sin consultar seriamente a los instructores de la escuela, aunque Kushner niega esa afirmación.

“Llevan a cabo estos ayuntamientos pidiendo opiniones, pero más o menos diciéndonos lo que van a hacer, o sin decirnos exactamente, y pretendiendo que tenemos una voz en esto”, dice Spelletich, quien es conocido por sus primeros Burning Man art y gana alrededor de $ 5,000 por semestre para enseñar una sola clase. “He estado involucrado en muchas acciones en la política de la ciudad y es lo mismo: tienen un proceso de toma de decisiones en el que no estás incluido. Tengo una propuesta que espero que Kushner vea que estamos flotando alrededor. Estoy involucrado en la escena de la tecnología del arte de los robots. ¿Por qué no convertimos esto en una escuela de arte y tecnología de vanguardia, darle la vuelta a todo el guión, hacer que los profesores tomen más decisiones, ser innovadores con la educación y dar clases este verano? Les estamos transmitiendo estas ideas asesinas, pero no obtenemos respuesta. Al menos no todavía. Y la gente tiene miedo de hablar. Y aquí estoy, mordiendo la mano que nunca me alimentó muy bien ".

En los días posteriores al anuncio de la universidad el 23 de marzo, mucha gente pensó que el Instituto de Arte de San Francisco estaba a punto de cerrar de forma permanente, y varios informes de los medios difundieron esa posibilidad. Levy y Kushner dicen que nunca se consideró un cierre completo. Pero aún está por verse cómo la escuela se reinventa a sí misma y cómo esa reinvención afecta al cuerpo docente actual e incluso a la reputación de la escuela. Y esta incertidumbre persistente, por ahora, ha empañado la escuela, incluso si el Instituto de Arte de San Francisco conserva sus programas de otorgamiento de títulos para estudiantes de pregrado y posgrado, e incluso como Levy, Kushner y otros administradores de SFAI dicen que son haciendo todo lo posible para salvar el futuro de la escuela. Incluso los estudiantes que se han quedado y están participando en la graduación virtual de este mes están teniendo dificultades para celebrar. Los instructores también se sienten marginados.

"No hay confianza, eso se ha roto", dice Spelletich, quien ha enseñado en la escuela durante 13 años. “Básicamente, toda la facultad ha sido despedida. Mi contrato finaliza el próximo miércoles (13 de mayo). Nos han dicho que nuestros contratos son nulos y sin efecto, o alguna otra terminología, pero estamos todos sin trabajo. No tengo trabajo. Voy a cumplir 60 este año. ¿Quién diablos está contratando a un artista raro de 60 años en medio de una sociedad en colapso? Estoy cabreado."

(Kushner dice que no sabe "exactamente cuándo ni cuántas personas" serán despedidas, pero que "eventualmente tendremos que despedir a los profesores y al personal").

Blue, que está pregrabando el discurso de graduación del 16 de mayo, dice que será positivo, a pesar de lo que Blue llama los intentos de la escuela de minimizar las posibles protestas estudiantiles. Incluso con partes pregrabadas, la graduación virtual del 16 de mayo está programada para transmitirse en vivo en YouTube.

"Si quisiéramos decir algo sobre la escuela o la administración, no podemos", dice Blue. “Se están asegurando de que esté completamente censurado. ... Quieren asegurarse de que no haya nada adverso en mi discurso, creo. Y, de hecho, no abordé nada de esto realmente. Dejé caer una línea sobre COVID-19 al final. Y lo hice porque veo esta graduación como un momento para celebrar. Y quería centrarme en eso, en contraposición a toda esta negatividad ".


Sueños abortados

Harto de su trabajo de ventas, Brandon Schultz decidió finalmente perseguir su sueño de convertirse en diseñador gráfico en 2008. Se inscribió en la división en línea de Art Institute & # x27s. "Quería entrar en un campo que disfruté", dijo Schultz, de 36 años. `` El Instituto de Arte de Pittsburgh, sonaba elegante ''.

Pronto se sintió decepcionado al descubrir lo básicas que eran las clases. "Fueron solo un montón de lecciones para principiantes sobre cómo usar estos programas", dijo Schultz. "Nunca hice ningún trabajo de diseño gráfico".

Dice que la comunicación con los profesores fue escasa y que su tiempo con los tutores de la escuela fue estrictamente limitado.

"Solo pude hablar con un tutor durante un tiempo hasta que me interrumpieron", dijo. "Muchos de ellos no podían & # x27 realmente hablar inglés".

Le faltaba solo una clase para graduarse con su título de asociado en diseño gráfico, dijo, cuando recibió una llamada preocupante de alguien del Instituto de Arte. Le dijeron que se había quedado sin préstamos.

"Me enojé", dijo Schultz. & quot; Yo estaba como, & # x27¿De qué estás hablando? ¿Me estás diciendo al final de todo esto? & # X27 & quot

Desesperado, aceptó el préstamo.

"Creo que las escuelas como esa se aprovechan del hecho de que mucha gente no recibe orientación sobre cómo ir a la universidad", dijo Schultz. "Simplemente hacen lo que tienen que hacer para obtener su título".

Schultz asistió a entrevistas para puestos de diseño gráfico, pero dijo que no estaba preparado para las pruebas laborales comunes que asignan estos empleadores.

Ahora se gana la vida con trabajos ocasionales, como la pintura y el paisajismo, y dice que no hay forma de que pueda devolver los más de 80.000 dólares que debe por su tiempo en el Instituto de Arte. Él & # x27s presentó una solicitud al gobierno, alegando que sus préstamos federales deberían ser cancelados, pero no ha recibido respuesta.

"Todo lo que puedo hacer es esperar a que el gobierno me dé algún tipo de juicio", dijo Schultz.

En respuesta a una serie de quejas de estudiantes de que habían sido defraudados por sus escuelas, el Departamento de Educación del presidente Barack Obama anunció un reglamento en 2016 que establecería un proceso administrativo para que las personas cancelen sus préstamos federales si su escuela terminara. ser depredador.

Se estableció que esa regla entraría en vigencia en julio de 2017.

Sin embargo, solo un mes antes de esa fecha, un grupo industrial del sector universitario con fines de lucro, la Asociación de Escuelas Postsecundarias Privadas de California, presentó una demanda ante el Departamento de Educación, argumentando que la regulación estaba fuera de la autoridad del gobierno. Poco después, el departamento anunció que pospondría ciertas disposiciones del reglamento. Unos meses más tarde, el departamento anunció otro retraso.

Hablando en una conferencia, la Secretaria de Educación Betsy DeVos dijo que bajo la regla actual, "todo lo que uno tenía que hacer era levantar la mano para tener derecho al llamado dinero gratis".


10 lugares más locamente embrujados en San Francisco

# 10) Columbario de la Sociedad Neptuno

Crédito de la foto: flickr / sally_mcburney

La sola idea de caminar por un cementerio, mausoleo o columbario seguramente te hará temblar.

Sin embargo, el Columbario de San Francisco, también conocido como el Columbario de la Sociedad Neptuno, te hará sentir escalofríos mientras caminas entre las cenizas cremadas de más de 30.000 restos.

Algunos de estos se remontan a 1898, cuando el edificio formaba parte de la sociedad secreta The Odd Fellows.

Si bien el estado del edificio y los restos son suficientes para asustar a los visitantes, en realidad hay fantasmas que caminan inquietos por el columbario.

Puede detectar uno si se dirige allí por la noche o si es una de las pocas personas que realmente sintió su presencia.

Una mujer que recientemente hizo un recorrido por el Columbario sintió una mano en su espalda, pero no vio a nadie cuando se dio la vuelta.

Sin embargo, ¡descubrió una huella blanca en su blusa oscura cuando llegó a casa!

# 9) Trinidad + St. Iglesia Episcopal de San Peters

Por santas que sean las iglesias, son uno de los lugares favoritos de los fantasmas.

Trinidad + St. Peters Episcopal Church viene a demostrar esto, ya que es uno de los lugares increíblemente encantados de San Francisco.

Los asistentes a la iglesia han visto una figura gris salir del baño de hombres solo para desaparecer a través de una pared al otro lado del pasillo.

Hasta la fecha, nadie ha podido identificarlo o averiguar qué lo hizo acechar este lugar específico.

Mientras está de pie en Trinity + St. Peters Episcopal Church, también seguramente experimentarás 3 borradores direccionales, lo cual es extraño considerando lo cerrado que está el lugar.

También puede notar la sombra de una persona bailando en las paredes o incluso tener suerte (?) De encontrarse con el fantasma del traje blanco.

Espere una mirada mortal y un rostro siniestro para encontrarse con sus ojos.

Al igual que la figura gris, se desconoce la razón por la que frecuenta la iglesia.

# 8) Alcatraz

Crédito de la foto: flickr / JaveFoto

Alcatraz, una penitenciaría federal formidable en el pasado, sigue asustando a quienes la visitan.

Visite esta prisión encantada en San Francisco y escuchará los sonidos de los hombres en conversaciones acaloradas, gemidos, sollozos, gritos y puertas metálicas que resuenan.

También hay historias de una entidad llamada "The Thing", que tiene ojos brillantes y un olor terrible.

Sin embargo, estos no son nada comparados con los propios fantasmas de Alcatraz.

Crédito de la foto: Matthew Christopher

Si realmente desea enviar escalofríos por su columna vertebral, diríjase a D-Block.

Conocido como el bloque más embrujado de toda la prisión, es donde solían estar encerrados los peores presos.

Incluso cuando Alcatraz funcionaba, los criminales más duros pedían ayuda a gritos.

Algunos dicen que un preso del siglo XIX solía matar a los presos allí, sumando sus espíritus a los que ya estaban presos allí para siempre.

Haga un recorrido y pase por las celdas 12 y 14D para vivir una experiencia verdaderamente inquietante ... ¡si se atreve!

# 7) Los baños de Sutro

Los baños de Sutro son ahora ruinas de lo que alguna vez fue un gran complejo de piscinas públicas de agua salada.

Quemados por un misterioso incendio en la década de 1960, hoy los Baños de Sutro son perseguidos por los espíritus de quienes más disfrutaron de sus instalaciones en sus vidas.

Puede identificarlos fácilmente por su ropa, especialmente durante la noche, ya que el clima de San Francisco hace que sea inusual que la gente haga alarde de vestidos de sol y pantalones de baño.

En la mayoría de los casos, los fantasmas te ignorarán.

Parecería que están atrapados en un bucle, reviviendo el apogeo de los baños de Sutro.

Incluso puede escuchar risas y cantos si se concentra lo suficiente.

Incluso si no cree en las historias de fantasmas, le recomendamos que no se aventure en los túneles por su cuenta.

La entidad detrás de las marcas de garras en todo el sistema de túneles puede no ser tan inofensiva como los fantasmas en la parte superior.

# 6) Parque Golden Gate

Crédito de la foto: flickr / good_dood

Golden Gate Park es verdaderamente uno de los lugares increíblemente embrujados en San Francisco, ya que tiene TRES entidades esperando interactuar con los vivos.

El primero proviene de la historia de Lady of the Lake con la que muchos lugareños están familiarizados.

El fantasma descalzo y rubio con un vestido blanco sucio está constantemente buscando a su bebé que se había tirado al lago y se había ahogado mientras ella estaba ocupada charlando con otra mujer.

Si desea que su corazón se salte un latido por un segundo, tenga cuidado con la dama blanca cerca de la estatua de Mujeres y Niños Pioneros.

Mientras el fantasma está activo, ¡la estatua se mueve!

Vuelve a la vida y cambia su expresión.

¡A veces, su rostro cambia de forma o sus brazos o su cabeza desaparecen!

Solo asegúrate de que no te atrape el policía fantasma de Golden Park Gate.

Después de morir en servicio en el parque, tiende a deambular y emitir multas a quienes cometen infracciones de tránsito.

Si te encuentras con él, ¡sal del parque inmediatamente!

# 5) Centro Médico UCSF

El Centro Médico UCSF está lleno de energía durante el día, pero al llegar la noche, los largos y solitarios pasillos se vuelven fríos y misteriosos con todos los fantasmas deslizándose por ellos.

Es posible que se encuentre con las mujeres que murieron durante el parto mientras se asoman a las habitaciones de los pacientes en el piso 15, que es donde solía estar la Guardería de Cuidados Intensivos.

Algunas nuevas madres han sido atacadas allí por entidades malévolas que las odiaban por sobrevivir al parto.

Sin embargo, el octavo piso es el más escalofriante.

Antiguamente la unidad pediátrica del UCSF Medical Center, los espíritus de los niños acechan el lugar.

Solían gastar bromas a otros pacientes allí, muchas de las cuales provocaron algunas muertes.

Como resultado, todo el piso tuvo que ser exorcizado.

Aún así, algunos de los fantasmas más jóvenes persisten, asustando al personal, a los pacientes y a otras personas que buscan conectarse con ellos.

# 4) El puente de la bahía de San Francisco-Oakland

Crédito de la foto: flickr / exxonvaldez

El SF Bay Bridge tiene un par de fantasmas que intentan atravesar a los que conducen.

Incluso hay informes paranormales recientes que provienen de personas que caminan por el nuevo Puente de la Bahía en el lado de Oakland.

El primer fantasma es el de un hombre con sombrero y gabardina estilo años 40.

Cuenta la leyenda que su automóvil se averió en 1948 en el lado del puente de San Francisco y fue atropellado mientras caminaba hacia una cabina telefónica.

Si alguna vez lo ves, asegúrate de mirarlo por el rabillo del ojo.

Desaparecerá si lo miras directamente.

Si no lo ve, definitivamente se encontrará con el hombre sin cabeza.

Posiblemente víctima del terremoto de Loma Prieta de 1989, tiende a colarse en el asiento trasero de los conductores desprevenidos.

Si no lo ve, pero escucha golpes en las ventanillas de su automóvil mientras conduce en el piso inferior, tal vez sea el Bay Bridge Troll.

A cargo de proteger el puente, los lugareños dicen que solía residir en la escultura de hierro de 18 pulgadas, pero ahora se esconde del sol directo bajo las aguas menos profundas de la bahía.

# 3) Instituto de Arte de San Francisco

Crédito de la foto: wanderart.org

El Instituto de Arte de San Francisco ha estado embrujado durante décadas.

Los fantasmas del cementerio Russian Hill en el que se construyó estaban enojados después de que su hogar para siempre fuera perturbado.

Sus gritos y voces enojadas se pueden escuchar en todo el campus.

Muchos estudiantes han estado aterrorizados por los sonidos de pasos que los siguen después de que las luces se apagan repentinamente.

Es posible que desee mantenerse alejado de la torre de la escuela.

Hay una presencia maligna allí que se sabe que causa problemas de salud, problemas personales y provoca accidentes.

El espíritu interfirió con la construcción de la torre a través de estos, gritando a veces para asustar a los trabajadores o rompiendo muebles para mostrar su enojo.

Una sesión de espiritismo en la torre reveló que hay múltiples fantasmas detrás de las apariciones allí.

Entonces, diríjase al Instituto de Arte de San Francisco con cautela.

# 2) La casa de Donaldina Cameron

Crédito de la foto: flickr / mdalton

Donaldina Cameron era un ángel por ocultar a inmigrantes chinos forzados a la prostitución y la esclavitud en el barrio chino de San Francisco.

Sin embargo, quemar su casa junto con los inmigrantes que buscan refugio allí ha hecho de esta una verdadera casa embrujada y uno de los lugares más embrujados de SF.

Actualmente es una agencia de servicios para la iglesia y la familia, el edificio está plagado de amuletos dorados y rojos que se supone que protegen a los espíritus malignos.

Intente tomar una foto allí y es posible que observe figuras blancas flotando en el fondo.

Esto se debe a que los espíritus de las mujeres que murieron allí en el fuego nunca se fueron.

A los espíritus de las mujeres se unen los fantasmas de los niños chinos que fueron abusados ​​sexualmente entre 1947 y 1977.

Mientras que Cameron House era una misión presbiteriana, el reverendo F.S. “Dick” Wichman abusó de los niños y las mujeres chinas esclavizadas y, en ocasiones, las mató.

Puede escuchar fácilmente los gritos de los niños que vienen del sótano durante las noches tranquilas, pero eso es si se le permite quedarse allí.

# 1) Parque Mary Ellen Pleasant

Crédito de la foto: Google Earth

Mary Ellen Pleasant Park es el parque más pequeño de la ciudad, pero uno de los más espeluznantes considerando quién lo acecha:

El fantasma de Mary Ellen Pleasant.

En vida, Mary Ellen Pleasant fue una activista que refugió en secreto a personas que escapaban de la esclavitud y les encontró nuevos trabajos.

Incluida como capitalista en el censo de 1890, se ganó la reputación de sacerdotisa vudú ya que muchos de sus colegas, varios clientes e incluso su amante caucásico murieron repentinamente y sin una causa conocida.

Sin embargo, sin pruebas que la vinculen con estas muertes, Mary no fue declarada culpable de ningún delito.

Si crees que eres lo suficientemente valiente como para encontrarte con Mary Ellen, busca su espíritu y llámala por su nombre.

Solo asegúrate de no decir nada malo sobre ella o de lo contrario te empujará o te dejará caer algo en la cabeza.

Tenga especial cuidado con los cuervos o los sonidos cerca de los árboles y arbustos, ya que estos indican que está cerca.

Curiosamente, algunos lugareños dicen que puedes pedirle que te conceda un deseo o un favor, pero solo si se lo pides amablemente.

Elegir un lugar embrujado para visitar

¿Listo para visitar uno o más de estos lugares encantados?

En segundo lugar, reúna a su grupo y consulte los lugares de esta lista.

Y tenga cuidado de no enojar a ninguno de los espíritus. De lo contrario, es posible que nunca llegue a casa.


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